油彩 畫布

41.1×34.6 cm. 16 1/8×13 5/8 in.

款識
Zenz. Kojima（左下）

出版
2023年，《兒島善三郎秀作撰/油彩畫總覽II》，遊友出版株式會社，東京，第107頁
展覽
2023年10月14日至29日，「兒島善三郎誕辰130週年紀念展：與自然共生——時代的召喚」，溝江畫廊，福岡

來源
亞洲私人收藏

附：藝術家家屬親簽之兒島善三郎作品鑒定書

歲月靜美，不負一世韶華
兒島善三郎的永恆藝途

「兒島善三郎從中期開啟的獨特風格，確實是前無古人的……簡單的圓形和三角形概括的形式在表達中變得栩栩如生，色彩鮮豔的表面展現出巨大的廣度和深度，創造了一個生活空間。他將自己所有的精神表達都投入其中。其作確實是日本繪畫傳統譜系的產物，並建立在現代繪畫方法的基礎上。我相信，有一天，後代的日本繪畫史將高度評價兒島的藝術、肯定他在歷史中的位置。」
——日本前京都國立近代美術館館長暨美術評論家今泉篤男

被譽為「日本油畫創造者」的兒島善三郎，是對近現代日本畫壇具承先啟後影響力的重要藝術家。1893年出生於福岡紙張批發商之家的他，在20歲時不顧父親反對離家求學，於東京自學成才，並於1922年獲日本著名畫展「二科展頭獎」。三年後他赴巴黎留學，遍遊歐洲美術館，傾盡全力探求西方繪畫，以求反哺家鄉的東洋美學。1928年學成歸國後，他將傳統的琳派（Rinpa）和南畫（Nanga）畫風帶入油畫創作，以具現代主義的色彩，描繪物象之表現力、裝飾感和精神性。更立志打破「主導世界超過百年的法國藝術風格」，創造出能被世界認同的「日本人的油畫」，進而開創日本美術的新局，並終生篤志前行。其作迄今已獲東京國立近代美術館、石橋美術館、韓國國立中央博物館、釜山市美術館、南京德基美術館等機構收藏，足見其備受認可的高度。

兒島的一生隨著居住地的遷移，創作亦趨之變化、發展，共可分為5個時期。除早年求學的修養時期（1915——1925年）、旅歐時期（1925——1928年）之外，在1928——1936年的代代木時期，他先以人體畫為主線、確立志向，繼而逐步轉向風景創作，而在1936——1951年搬到國分寺後，他開始持續深耕自然與花卉之美，創作步入黃金高峰，最終於晚年達至集大成的荻窪時期（1951——1962年）。是次拍賣，我們榮幸匯聚其一生中最盛產和創作至臻圓融的兩大階段——國分寺和荻窪時期的3件精彩創作，由其鍾情一生的薔薇，到蕩漾心弦的湖畔風景，再到寓意生活美滿的果物，一展其永恆而動人的美學詩篇。

薔薇初綻，鏗鏘與柔情的結晶

「在兒島的風景畫中，他沉浸在田園的空氣中，不拘形式，消解著描繪的元素。而當他面對工作室裡的花朵時，則是一朵一朵形態各異的花的結晶。如此對比鮮明，令人浮想聯翩。」
——日本藝評家赤瀨川源平

1936年兒島善三郎搬到東京西郊的國分寺市，步入「國分寺時期」，並以豐沛的創作能量大量創作風景與靜物主題，開啟了著名的薔薇主題系列。單純而富有西式表現力的造型，深入追尋東方傳統繪畫中的氣韻和格調，成就其藝術生涯的高峰。是次呈現、完成於1937年的《薔薇》（拍品編號2）為現今可考的兒島作品中，最早以「薔薇」為名的瓶花創作，見證了藝術家自此筆耕不輟、反復描摹薔薇的初心。

畫作中，9朵粉白與2枝深紅的薔薇正怒放在靛青色的靜謐背景中，並朝上、下、左、右，全方位地迸現生命張揚的力量。兒島以充滿力度和結構性的筆觸，強烈地突顯每一朵花各異的姿態，賦予生命力的蓬勃。其間最吸引觀者目光的，當數左側最大朵的荷花薔薇，花蕊以三道粉白相間的弧形構成穩定的三角結構，中心點上鵝黃蕊絲，周圍的花瓣則以括寫的白色方形勾勒，層層疊疊，如同晶燦的萬花筒，呈現稜鏡般的豐富結構。而居於正中心者，則展現如小女子般低眉斂目的羞赧情態，兩朵深紅的玫瑰一上一下地將之裹挾，色彩由鮮紅過渡到粉白、暗紅，呈現出光影交織的變化。其餘6朵薔薇則恰構成外展的弧形整體，既簇擁著中心的花朵，亦朝各自的方向竭盡全力地盛放自我。

而具東方古韻的青色瓷瓶，靜立在橘色的桌案上，盛載著一室的鮮妍芬芳。青色染就的葉片，妥帖地融入暗色的背景中，以色光之和諧，敘述著一種超脫於現實的優雅。兒島將西式的奔放熱烈與傳統琳派的雍容氣質融合得相得益彰，在鏗鏘與柔情間，流露出他深植於心的民族情懷，而帶有「美好愛情、聖潔、愛與美德」花語的薔薇，自此成為兒島創作的一處永恆。

暮色傾輝，蘆之湖的心神徜徉

回顧1951年，彼時是兒島居住在國分寺的最後一年，在這段時間他共創作了6件以「箱根蘆之湖」為主題之作，是次上拍的《箱根蘆之湖》（拍品編號3）即為箇中代表。作品與完成於同年的《箱根之晨——蘆之湖》構圖相近，但在視角和光色表達上展現時間性的差異，此令人想起法國印象派大家莫奈（Claude Monet）在《乾草堆》、《魯昂主教座堂》或《睡蓮》中「以不同的光線和角度下連續畫同一物體」的創作形式。兒島延續此法展開創作，正充分印證他「以彼道創新風」、力求呈現「屬於日本人自己油畫」的志向與野心。

有別於該年另5作中豔陽天青的設色表達，《箱根蘆之湖》以黃昏時分的情景展開，整體用色更為濃郁渾厚，尤以湖水為天空晚霞所染盡的粉橘色最為特別，與山林的綠彩呈鮮明對比，流露出一種浪漫的格調，極為動人。畫中描繪的蘆之湖，位於東京近郊，是一個有著獨特葫蘆形的火山口湖，可遠眺富士山，風景優美，亦是兒島在生命中最後3年的60年代仍不斷回溯的主題。

作品中，他以蘆之湖為界，將兩岸的自然與人文風景相映成趣。對岸山巒起伏，草木蒼翠，筆勢鬆快靈動，具有江戶時期的文人畫所重視的自然節奏與寫意特質。畫中平滑的山脊線、綿長的山徑，將傘狀的尖角樹叢包容其中，返還出獨屬於自然的流動感和靈性，亦在這傾輝暮色中，增添了幾份深重懷遠之意。而近景的房子，則吸納了琳派中符號化的特徵，有趣地呈現兒島標誌性的幾何體：大量的三角、矩形、正方形，配合橘紅、檸檬黃、靛青、赭石的色彩，如七巧板般錯落安置著一幢幢山間小屋。更有茂密的灌木與結合點染筆勢的花叢籬笆，在下方譜出繽紛的韻律，與小巧的屋舍和諧地融為一體。作品以明快、自由的筆意建構出恬靜、閒逸的山水空間，在這悠悠天地的畫卷中，展現出一份曠達與從容，亦在時間的流逝中，浸透著兒島對於「青山依舊在，幾度夕陽紅」的生命思索。

果盈富足，生活的純真之趣

自1951年7月起，兒島將畫室移到了東京的荻窪，開始重視立體和平面表現的調和，更意識到「最重要的是畫家背後是否充滿了生生不息生命力。畫框以外森羅萬象與自己的畫是否息息相通」。除風景和花卉作品外，他亦開始以水果為題，意圖透過西方野獸派般的鮮亮色彩、具強烈幾何性的線條和構圖，去挖掘事物的生命力和純真本質。完成於1954年的《靜物》（拍品編號1）即為此時期的典範。

作品中的高腳果盤，令人想起塞尚標誌性的作品《靜物與果盤》，而有別於塞尚畫中的陶瓷材質，兒島選以玻璃器皿承載果物，加深了光感與色彩的折射。此外他將果盤置於畫作正中央，宛如瓶花般，呈現出一種向上伸展、繼而向四周滿溢的高雅與鮮活意趣。在其中，一顆顆圓熟的青葡萄鋪滿底部，豐碩的蘋果、貴妃梨，圍成弧線，恰到好處地與器皿邊緣構成倒梯形的結構，滿載張力。棕色平塗的背景，更深化了前景水果的豐盛，左下方以半身入畫的鮮亮橘子，也在這隱藏的妙趣中，更添色彩與視覺變化。桌面的格狀花紋與彩色線條則進一步加強了畫面的視覺衝擊力，令器皿、水果的弧形在方形的分割中，組成緊密的整體結構，將一種幸福、喜悅之感帶向觀眾。

而自從居住至荻窪後，兒島很快地施展了他全新的藝術抱負：「不安定狀態的美，介乎安定與不安定之間的感覺，我想盡力去捕捉這些東西。」《靜物》正巧妙展現了這一「動靜之美」的特質。如在果盤右側，一簇紫葡萄正搖搖欲墜地伸出玻璃果盆，由細細的葡萄梗銜接著裡外的空間，產生出一種具真實生活的、不經意的趣味。這一筆延伸，也恰到好處地將視線從上至下引入飽滿的蘋果，彷彿正因果盤滿溢，方將這熟透的果物置於盤外。而左下的橘子也在這隱藏的妙趣中，將一種處於變化中的狀態，注入了看似平靜的畫面，形成兒島所追求之「不安定的美」，令觀眾亦不免隨之浮想聯翩。

湖泊、山巒、薔薇、水果……自然和生命涵養了兒島一生的創作，透過他善於發現美的心靈中，生根發芽，蔚成風華。伴隨他生活的遷移，藝道與心境亦隨之拓展、臻於化境，最終一步又一步地匯成他的美學豐碑，一如他在生命最後階段的真摯之言：「表面上的美，要一點不剩地全部丟掉，走一步、兩步、百步，直至更深、更真實地面對永恆之物。」

估價 :
HKD 90,000 - 150,000
USD 11,500 - 19,200